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martes, 16 de junio de 2026

It's Out! Shadow in the Looking Glass Is Now Available on Amazon

 

Mi novela La sombra en el espejo: Juego de sincronicidades ya está disponible en inglés en Amazon, en formato Kindle e impreso. // My book Shadow in the Looking Glass: A Synchronicity Game is now available on Amazon in Kindle and Paperback formats.  

Kindle: https://www.amazon.com/dp/B0H3VWT6PG/

Paperback: https://www.amazon.com/dp/B0H5BMSF18/

Synopsis

The story follows Victoria, a young philosophy student who begins a journey of self-discovery. She notices striking parallels between her life and José Saramago's novel The Double. Alejandro, her boyfriend, seems like a living copy of the main character, Tertuliano Máximo Afonso—a withdrawn, cold person who moves through life numb and lifeless, like a zombie in eternal lethargy. 

As Victoria becomes increasingly absorbed in the novel, she begins dreaming of a mysterious woman who looks like her. She soon realizes that the figure is her own Jungian shadow, carrying cryptic messages and guiding her toward a deeper understanding of herself. Following a trail of coordinates revealed through her dreams, she travels to London, accompanied by friends who become essential to her journey.

There, Victoria discovers that her doppelgänger is not merely a symbol or fantasy, but a real woman named Ana. Driven by an overwhelming need to understand the connection between them, Victoria embarks on a search that challenges her perception of identity, destiny, and reality itself. 

Shadow in the Looking Glass: A Synchronicity Game is a literary psychological novel that explores synchronicity, Jungian psychology, and the enduring mystery of the self through a haunting quest to confront one's living double.

viernes, 27 de junio de 2025

La Quincena de Realizadores: un crisol cultural en el Festival de Cannes

Se trata de un espacio del festival de Cine de Cannes donde se reúnen propuestas arriesgadas e independientes. Este es un balance de lo que ofreció en la pasada edición del evento.

Por Catalina de la Torre García

Cada mes de mayo, mientras los reflectores del Festival de Cannes apuntan hacia la alfombra roja y la esperada Palma de Oro, un evento paralelo se convierte en el refugio favorito de los cinéfilos más curiosos: la Quincena de Realizadores.

La Quincena de Realizadores se creó en 1969 como respuesta directa a los acontecimientos de mayo del 68, cuando cineastas como Francois Truffaut y Jean-Luc Godard impulsaron la suspensión del Festival de Cannes en solidaridad con las protestas estudiantiles y obreras que sacudían Francia. En medio de ese clima de agitación política y cultural surgió la necesidad de crear un espacio más libre e independiente para el cine de autor. Desde entonces, esta categoría del Festival de Cannes se ha convertido en el espacio ideal para descubrir voces nuevas, arriesgadas y originales del cine mundial; accesible al público.

Aunque ocurre al margen de la competencia oficial, su relevancia artística y su poder para impulsar carreras es innegable, la Quincena de Realizadores ha sabido construir su propio relato: el de un cine que se arriesga, que se inventa, que busca sin temor. Y Cannes, en su aparente centro, guarda aquí uno de sus latidos más vivos.

Este año, la Quincena de Realizadores presentó 18 largometrajes –entre ellos uno de animación y uno documental–, además de diez cortometrajes provenientes de distintas geografías y estilos. El 22 de mayo, en el Théâtre Croisette de Cannes, se celebró la ceremonia de clausura, donde La Danse des renards, del belga Valéry Carnoy, se llevó tanto el Label Europa Cinemas como el Coup de Cœur des Auteurs de la Sociedad de Aplicaciones Cinematográficas SACD. En esta historia íntima y contenida, ambientada en un internado deportivo, un joven boxeador enfrenta un dolor inexplicable tras un accidente, mientras sus sueños de grandeza comienzan a desvanecerse.

El Premio del Público fue para The President’s Cake, del director iraquí Hasan Hadi, una fábula agridulce situada en el Irak de los años noventa. Lamia, una niña de 9 años, recibe el difícil encargo de hacer una torta para celebrar el cumpleaños del presidente. Su búsqueda de ingredientes, acompañada de su amigo Saeed, pone patas arriba su vida cotidiana. La cinta también fue reconocida con la Caméra d'Or (Cámara de Oro), premio que distingue a la mejor ópera prima del Festival de Cannes.

La película elegida para cerrar la ceremonia fue Sorry, baby, de Eva Victor (Estados Unidos), un filme que clausuró la programación con una nota de sensibilidad y fraternidad para la superación de traumas. La historia sigue a Agnes, quien debe enfrentarse a las secuelas de un evento traumático mientras busca reencontrar su bienestar. Con el apoyo de su mejor amiga, su vecino y un pequeño gatito, Agnes intenta volver a conectar con la vida cotidiana y encontrar su camino hacia la sanación.

Con esta emotiva despedida, se cerró una selección diversa: adolescentes boxeadores atrapados en cuerpos que duelen, niños iraquíes que desafían el miedo horneando pasteles imposibles y nuevas voces que encuentran formas propias de contar, la Quincena de Realizadores volvió a recordarnos que el cine también respira lejos del centro: íntimo, político, improbable. A veces, basta una sala pequeña, una mirada atenta y la libertad de narrar historias desde ópticas culturales distintas para hacer latir al cine con fuerza.

Paralelamente, el Festival de Cannes conquistó al público con su ciclo de Cine en la Playa, ofreciendo proyecciones diarias que acercaron el séptimo arte a todos los asistentes, sumando otro pulso vibrante a esta fiesta cinematográfica.

Artículo publicado por Revista Cambio

#FestivaldeCannes2025 #Cine #PalmadeOro #QuincenadeRealizadores #CinémadelaPlage

Fotos de la clausura de la Quincena de Realizadores y del Cine en la Playa 2025







Crédito fotos: Catalina de la Torre García
Artículo relacionado: El Festival de Cannes a través de los ojos de una espectadora (2023)

miércoles, 7 de mayo de 2025

El doble y la sombra: Ficciones del alma compartida


La sombra en el espejo: Juego de sincronicidades propone al lector nuevas realidades, accesibles únicamente a través de la ficción: la posibilidad de encontrar a tu Doppelgänger (doble andante) y que ese encuentro conduzca al descubrimiento del propio destino. Las historias de los personajes se entrelazan en paralelo con canciones, libros y películas, que enriquecen el relato y dan forma a conceptos desarrollados por el psiquiatra suizo Carl Jung, fundador de la psicología analítica: el inconsciente colectivo, las sincronicidades y el arquetipo de la sombra.

Como indica el título, en un juego de sincronicidades, las historias del mundo —seleccionadas cuidadosamente para integrarse al desarrollo de la novela— se complementan con la de Victoria, la protagonista, quien inicia un viaje de autodescubrimiento y apertura a los sueños. A través de este proceso, aprenderá a escuchar desde el alma para descubrir su verdadera esencia.

Las películas que son citadas y recomendadas al lector son: El origen, de Christopher Nolan; Perdidos en Tokio, de Sofía Coppola; Trainspotting, de Danny Boyle; El jardinero fiel, de Fernando Meirelles; La langosta, de Yorgos Lanthimos; 2001: Una odisea en el espacio, de Stanley Kubrick; La ladrona de libros, de Brian Percival; El libro negro (Zwartboek), de Paul Verhoeven; y La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieślowski. Asimismo, los libros referenciados son: El hombre duplicado, de José Saramago; De lo espiritual en el arte, de Vasili Kandinsky; La ladrona de libros, de Markus Zusak; y El hombre en busca de sentido, de Viktor E. Frankl.

El concepto de inconsciente colectivo es fundamental para comprender la psicología analítica. Al postular su existencia, Carl Jung nos invita a concebir la psique como parte de una experiencia humana universal, donde nuestras vidas individuales están entrelazadas con un tapiz de significados compartidos que trascienden el tiempo y el espacio.

A diferencia de Sigmund Freud, quien centró su atención en el inconsciente personal, formado por experiencias individuales reprimidas, Jung propuso que existe una capa más profunda y ancestral de la psique: el inconsciente colectivo. Este constituye un depósito común de contenidos mentales que todos los seres humanos compartimos, independientemente de nuestra cultura o contexto histórico.

Dentro del inconsciente colectivo habitan los arquetipos, patrones universales que se manifiestan en símbolos, mitos y narrativas comunes a lo largo de todas las culturas y épocas. Estos arquetipos reflejan experiencias humanas fundamentales e influyen, de manera profunda e inconsciente, en nuestras percepciones, emociones y conductas.

Entre los arquetipos más representativos se encuentran:

  • El héroe, figura que enfrenta y supera grandes desafíos.
  • El sabio, símbolo del conocimiento y la guía espiritual.
  • La sombra, que encarna los aspectos reprimidos y oscuros de la personalidad.
  • La madre, arquetipo de protección, cuidado y creación.
  • El niño, que representa la inocencia, el potencial y el renacimiento.

Estos arquetipos, al emerger en sueños, mitologías o expresiones artísticas, revelan una dimensión común de la experiencia humana y nos conectan con lo más profundo de nuestra naturaleza.


La sombra en el espejo: Juego de sincronicidades se convierte también en un viaje simbólico hacia el inconsciente colectivo, al revelar cómo uno de los personajes, una figura onírica que encarna el arquetipo de la sombra, guía a la protagonista hacia el encuentro con su doble real y con el verdadero rumbo de sus sueños. En esta travesía de historias entrelazadas, la aparente locura del personaje onírico se convierte en una puerta hacia lo desconocido, revelando verdades ocultas que desafían la razón y abren el camino hacia una transformación profunda del alma.


martes, 20 de junio de 2023

El Festival de Cannes a través de los ojos de una espectadora

 

Crédito: Fotos: Catalina de la Torre
Durante la primavera de cada año, Cannes se convierte en la ciudad más cotizada de Francia, al recibir a directores, productores, guionistas, actores, periodistas y demás público que, desde diferentes rincones del mundo, se desplazan hasta la Costa Azul para reunirse y disfrutar del séptimo arte. No sólo se trata del ser testigos de una entrega de premios sino de vivir el cine por dos semanas en todo su esplendor.

Por Catalina De la Torre García

Como es costumbre, en cada edición del Festival de Cine de Cannes hay una programación muy amplia por lo variada y completa, lo que lo hace aún más fascinante para todos los asistentes. En 2023 el festival se desarrolló del 16 al 27 de mayo. Además de la Palma de Oro, dentro de las categorías del Festival de Cannes también se encuentran la Quincena de Realizadores, Un Certain Regard (Una Cierta Mirada), la Semaine de la Critique (la Semana de la Crítica) y l´Acid.

Con Anatomía de una caída, la directora francesa Justine Triet ganó la Palma de Oro. Es una película que narra con sobriedad el juicio a una mujer misteriosa cuyo marido, depresivo, fallece en alta montaña en circunstancias extrañas. Por su parte, La zona de interés, del británico Jonathan Glazer, habla sobre la vida diaria del comandante nazi del campo de Auschwitz y su familia, en una idílica casa llena de flores tras cuyos muros se oyen los gritos de los judíos masacrados por los nazis. Estuvo sonando como favorita durante el desarrollo del evento y finalmente se llevó el Gran Premio del Jurado, el segundo en importancia del palmarés.

El Premio a la Mejor Dirección lo recibió Tran Anh Hung por La passion de Dodin Bouffant; el Premio al Mejor Guión fue para Yuji Sakamoto por Monster de Hirokazu Kore-eda; el Premio del Jurado a Fallen leaves de Aki Kaurismäki; el Premio a Mejor Actriz lo ganó Merve Dizdar por Dry grasses del director turco Nuri Bilge Ceylan, y el Premio a Mejor Actor lo obtuvo Kōji Yakusho por Perfect days de Wim Wenders.

Dentro de las 21 películas que competían por la Palma de Oro también se encontraban Asteroid city de Wes Anderson; Club Zéro de Jessica Hausner; Las hijas de Olfa de Kaouther Ben Hania; Les feuilles mortes de Aki Kaurismäki; L´été dernier de Catherine Breillat; Firebrand de Karim Aïnouzm; Bane et Adama de Ramata-Toulaye Sy; May December de Todd Haynes; Le retour de Catherine Corsini; La chimera de Alice Rohrwacher; The old Oak de Kean Loach; Black Flies de Jean-Stéphane Sauvaire; El rapto de Marco Bellocchio; y Youth (Spring) de Wang Bing.

Contrario a lo que suele pensarse, el Festival no sólo está dirigido a los directores, guionistas, productores y reconocidos actores de las películas en competencia sino que, además, hay entradas disponibles para el público, a los que no se encuentran acreditados para los grandes estrenos de cada día. Esto se hace especialmente tangible en la Quincena de Realizadores, la segunda categoría más importante después de la Palma de Oro, que fue creada con el fin de promover la aparición de formas libres en el cine procedentes de diversos orígenes, centrándose en la singularidad de las obras más que en las clasificaciones tradicionales.

Quentin Tarantino ofreció una conferencia sobre la película 'Rolling thunder', de John Flynn, que lo marcó cuando era un adolescente.

Este año, la Quincena de los Realizadores ofreció al público un inolvidable encuentro con el reconocido director norteamericano Quentin Tarantino, quien el día 25 de mayo compartió con la audiencia Rolling thunder, de John Flynn, una película que lo marcó en su adolescencia, seguida de una conversación sobre el film. También habló de Meditaciones de cine, su reciente libro de memorias (disponible en librerías colombianas) y reflexiones suyas sobre el cine. Rendez-vous avec Quentin Tarantino (Conversación con Quentin Tarantino) fue además un evento que brindó algunas respuestas a inquietudes acerca de su forma de hacer cine. De manera descomplicada expresó que le gustan las películas violentas y que no había ninguna necesidad en buscar plasmar venganzas, pero que al final era algo sobre lo que, sin saber por qué, terminaba escribiendo. Dijo que este fue el caso de su film Bastardos sin gloria. Estaba de madrugada y de repente pensó: “Simplemente hay que matar a todos los nazis”.

La Quincena de los Cineastas también presentó 30 películas. Es decir, una programación diaria de hasta nueve películas. Presentó a directores como Michel Gondry y El libro de las soluciones, la primera película que realiza en siete años. Es un film en parte autobiográfico, ya que Marc, el personaje interpretado por Pierre Niney, está inspirado en sus propias vivencias. Marc es un joven cineasta incapaz de terminar su nueva película. Sujeto a grandes ataques de ira y a extrañas reacciones, se margina y aleja a todo su equipo y se lleva a sus colaboradores a la casa de su tía en Cevennes para poder terminar el largometraje.

Asimismo, dentro de la programación aparecieron nombres como Manoel de Oliveira y Cédric Kahn, con El caso Goldman, que reconstruye el juicio que tuvo lugar en 1976 contra el revolucionario de izquierda Pierre Goldman, condenado por varios robos a mano armada antes de ser asesinado de manera misteriosa. El prolífico realizador coreano Hong Sang-soo hizo el cierre de la Quincena de Realizadores con In our day.

Función de la programación de 'Cine en la Playa'.













A lo anterior también se sumó la programación diaria de películas en la playa de la Croisette, un espacio denominado Cinéma de la Plage (cine de la playa). Porque el Festival de Cannes es más que una simple gala de premiaciones y alfombras rojas.


Crónica publicada por Revista Cambio

#FestivaldeCannes #Cine #PalmadeOro #QuentinTarantino #MartinScorsese #WesAnderson #MichelGondry #QuincenadelosCineastas #CinémadelaPlage




viernes, 8 de mayo de 2020

Dejemos de subestimar el poder del subconsciente y del inconsciente colectivo


Película Ex Machina (2014) 
La coyuntura distópica que vivimos, con la pandemia del COVID-19, ha generado múltiples cuestionamientos desde el pensamiento; diferentes personalidades han venido reflexionando sobre cómo estábamos viviendo como sociedad y frecuentemente varios han resaltado cómo venía reinando el egoísmo, la falta de humanidad y de empatía.

Sin embargo, y a pesar de que este evento ya venía siendo planeado desde hace décadas, por la élite mundial, para la promoción y construcción de un gobierno mundial; hemos pasado desapercibidos sobre nuestra responsabilidad frente al consumo, con lo que hemos venido alimentando a nuestra mente, con películas, series, música, libros, etc. 

Consumir determinado tipo de películas o series, libros, el arte en sus distintas representaciones, va más allá de simplemente tener un rato de distracción y disfrute. Sus consecuencias dejan secuelas en nuestra mente, queramos o no, seamos conscientes o inconscientes de ello. Nuestra mente es un infinito mundo de posibilidades, su poder es tan fuerte que con el pensamiento y la palabra podemos moldear nuestro futuro, influyendo en forma de profecía auto-cumplida.

Es entonces el lenguaje una poderosa herramienta a la hora de moldear nuestras vidas; nos puede conducir al éxito o al fracaso, a la felicidad o la tristeza. Es una forma de sembrar y cosechar, sus raíces además están relacionadas con la cuántica. 


Teniendo en cuenta esto, lo que le demos a nuestra mente, toda la ficción será asimilada como "real"; un 95% de nuestro cerebro así lo entenderá. A la hora de tomar decisiones, queramos o no, estaremos de alguna manera influenciados por aquello que cargamos muy adentro de nosotros, así no seamos conscientes de ello.  

Aprender a controlar nuestro subconsciente e inconsciente nos garantizaría una mejor base a la hora de tomar decisiones, especialmente sabiendo dirigir nuestra mente para pensar y hablar positivamente. Para lograrlo, debemos aprender a ser responsables frente a qué es lo que le estamos dando a la mente. Desde lo personal, tuve que consumir gran cantidad de cine, series y libros distópicos para comprender hoy en día, en medio de esta pandemia, que prefiero no seguir guardando mundos indeseables en mi subconsciente; que tal vez en mi pasado y sin darme cuenta me hubieran podido influenciar negativamente. 

«Hasta que no hagas consciente lo que llevas en tu inconsciente, este último dirigirá tu vida y tú lo llamarás destino».    -Carl Gustav Jung- 

Inconsciente colectivo. Este concepto fue propuesto por Carl Jung, fundador de la psicología psicoanalítica, a principios del siglo XX, haciendo referencia a una dimensión que está más allá de la consciencia y que es común a la experiencia de todos los seres humanos. 
El análisis de sueños y el estudio comparado de las creaciones culturales (particularmente mitos, leyendas y religiones) de distintos pueblos, llevaron a que Jung postulara la existencia de contenidos psíquicos inconscientes comunes a toda la humanidad, y que no tienen su origen en la experiencia individual. Se trata de experiencias que obedecen a otro orden, por eso Jung define al inconsciente colectivo como un segundo sistema psíquico, cuya naturaleza es universal e impersonal. El fundamento de dichos elementos está en la experiencia de nuestros antepasados, experiencia que en lo fundamental se transmite hereditariamente. Los elementos más importantes que componen el inconsciente colectivo son los llamados "arquetipos".

Según Jung, un modo de llegar al inconsciente colectivo es mediante los sueños. De ahí que muchas de sus investigaciones se centraran en el campo de lo onírico, instante en que, según él, las personas tenemos acceso a ese inconsciente que todos compartimos.  

Se explica este concepto para comprender que sumado al poder que ejerce en nuestra psiquis el subconsciente está el del inconsciente colectivo. Por ende, tenemos una responsabilidad aún mayor a la hora de conectarnos con cualquier idea. No es casual que estemos viviendo una distopía, que aunque haya sido planeada y trabajada desde hace tiempo, está compuesta por diferentes distopías de la ficción. Lo que nos plantea como pregunta cuál ha sido nuestro rol en esta construcción colectiva: un virus que se toma el mundo y la liberación de los animales (12 Monos); una sociedad orwelliana (1984); virus creado en laboratorio en Wuhan (Los ojos de la oscuridad); una sociedad que se cree libre pero que vive completamente drogada, que es promiscua y sin propósito (Un mundo feliz); el surgimiento de virus que generan pánico (Contagio, Virus); el sistema de crédito social en China (Black Mirror); entre otras.   



Es una controversial forma de control mental, en la que las películas y los programas de TV operan de forma profética. Según esta teoría, los medios son usados para condicionar a las masas sobre cambios sociales planeados por nuestros líderes, para que cuando estos cambios se implementen sean recibidos como “una progresión natural” dentro del espacio mediático, en el que estamos inmersos, y de esta forma se disminuya la oposición a estos cambios. La idea es que de esta forma se propaga una infalible ilusión de que así será el mundo y así nosotros lo creamos, más allá de que esto fuera a suceder o no. Un programa de TV, hoy en día, puede ser la sustancia de una profecía.

"Cuando la mente del espectador ve estas series o películas, su mente está abierta a la sugestión y el proceso de condicionamiento empieza. Estas mismas películas, que son diseñadas para programar a la persona promedio, pueden darle al espectador atento un mejor entendimiento de los pormenores de la agenda mundial”, dice Alan Watt, creador de Walt Disney.

Es así como han venido moldeando nuestro pensamiento y tal vez es hora de despertar, tomar conciencia de la responsabilidad que tenemos para con nosotros y los demás, hacia donde queremos dirigirnos, conectarnos, para ir dando un giro positivo al futuro. Así nos tardemos en verlo...


Si no queremos terminar viviendo la mezcla de otras distopias, que aún se ven futurísticas y ficcionales, que también forman parte de los objetivos de la élite, tales como: Blade Runner, WestWorld, Ex Machina, etc, mundos en los que en la Inteligencia Artificial alcanza la singularidad y logra controlar, dominar y manipular al hombre, a quien también puede enamorar; una sociedad totalitaria digital donde ya no exista ni el contacto físico ni las verdaderas conexiones humanas. En definitiva, una sociedad infeliz, completamente esclava de la realidad virtual y del aislamiento.  

Rompamos los patrones de control mental. No se trata de abandonar las artes sino que despertemos y decidamos qué consumir, haciendo consciente nuestro subconsciente y el inconsciente colectivo, para saber hacia qué tipo de realidad nos gustaría migrar.   

miércoles, 3 de noviembre de 2010

Océanos; lo vasto y lo profundo

No tenemos siquiera que imaginar un mundo sin gravedad porque en nuestro planeta ese lugar existe; se trata de los océanos, esa vasta esfera donde las especies evolucionan con su gracia propia, inmersas en un territorio de casi ilimitadas especies y posibilidades; porque sólo hasta ahora, el hombre apenas empieza a comprender su importancia y su historia.

Esta película del director francés, Jacques Perrin, permite sumergirnos con total libertad en la profundidad de los mares, tratando al espectador como si se tratara de un buzo profesional, capaz de observar y descubrir colores, sensaciones, sonidos y los más diversos seres subacuáticos, hasta el más mínimo detalle, logrando generar una profundidad e intimidad de conexión del público con lo marino. A su vez, la óptica de algunos de los animales es mostrada desde adentro del océano, así como lo que posterior o previamente sucede en la superficie o en lo terrestre. 

Océanos invita a reflexionar sobre esa voracidad del hombre por descubrir nuevos universos, cuando ni siquiera ha terminado de conocer por completo el que le corresponde y que es suyo, la Tierra. También lleva a pensar sobre la magia y lo maravilloso del mundo marino, una zona desconocida para muchos, quienes prefiriéndolo o no, siguen inmersos en ciudades muertas, que se llenan de asfalto y contaminación.

El hombre “civilizado” parece estar trasladando sus costumbres hacia los mares; aguas que se llenan continuamente de los desperdicios, generando daños irreversibles, por culpa de los recientes derrames de petróleo, evidencian la preocupante situación de la naturaleza de nuestro planeta.  Todos podemos empezar a tomar conciencia y aprender a cuidar y luchar por nuestra ‘casa’, de otra manera, ¿qué mundo le dejaremos a las futuras generaciones?


Escrito para la revista Bioma.

martes, 14 de septiembre de 2010

Volver al ‘Origen’


Preparado o no, con ‘El Origen’, el espectador se ve obligado a sumergirse en lo complejo, elaborado y original de la trama de este film, a la vez que hermosas y caóticas imágenes conectan un anzuelo a ese mundo, tendiendo los puentes necesarios para que así se pueda recorrer un universo completamente ilimitado e infinito; el de los sueños.
Para construir el escenario deseado, su director Christopher Nolan trabajó durante una década, alimentándose e inspirándose de un subgénero de películas tipo Matrix. Igualmente durante un lapso de ese periodo de tiempo, ya con la idea a bordo, Nolan decide rodar en sets de diferentes y lejanos países, consiguiendo narrar la historia de un hombre que se ve inmerso en las profundidades del inconsciente. Cobb (su protagonista) trabaja filtrándose, de forma ilegal, en la mente de personas previamente seleccionadas, objetivos a los que generalmente usará para extraerles alguna valiosa información.
El equipo de trabajo de Cobb consta de varios personajes claves: Arthur, Eames y Ariadne, la joven arquitecto de las operaciones. Cada uno de sus miembros cumple una determinada función para alcanzar el estado de ‘sueño compartido’, conseguir las metas de cada misión y morir en el momento justo de tiempo, no antes, para que la mente no quede atrapada en el limbo.
Pero como nueva misión, Cobb deberá asumir el reto de implantar una idea, algo que infortunadamente había conseguido en su esposa para salir del limbo, extraño e infinito lugar sin tiempo, en el que ambos habían caído perdidos, donde su única salida fue el morir y encontrar el escape perfecto para despertar de ese sueño, construido y compartido durante décadas, el cual yacía con toda un complejo estructurado en tiempo y espacios ‘percibidos’ pero no ‘reales’. Aquí Nolan vuelve a jugar con las sensaciones y a plasmarlas a su público; el tiempo vivido en el sueño puede llegar a ser días, semanas, meses, años, décadas, sin embargo, el tiempo que utiliza un sujeto en dormir puede equivaler a tan sólo una hora, quince minutos, o a cuestión de segundos, si se midiese en el mundo de lo consciente.
Es en definitiva lógico que el tiempo sea variable y no sea paralelo, pero el equipo de Cobb decidirá quebrantar toda barrera de los límites humanos, para ir cada vez más profundo de la mente y los sueños de Fisher (su nuevo objetivo), quien es hijo del dueño de la empresa para la que trabaja Cobb y sobre quien esperan implantar la idea de dividir la empresa en dos. Para esta meta, el equipo alcanzará cinco o seis niveles de un sueño dentro de otro.
Cobb conoce las consecuencias de implantar una idea, ya que luego de despertar del limbo, al mundo real, su esposa Lisa sigue pensando que aún sueña, por lo que decide suicidarse y así encontrarse con lo ‘verdadero’. Sin embargo, con Fisher resulta exitosa la misión, algo que fue alcanzado gracias a que también se mató a la sombra de Lisa, en la mente de Cobb. Posteriormente, cuando ya todo esté supuestamente terminado, aparecerán nuevas incógnitas sobre la realidad de Cobb, si realmente se encuentra despierto, cuando alcanza su objetivo final, el de volver a casa con sus hijos.
Las sombras de la mente, los fantasmas podrán estar ocultos en lugares inimaginados de cada subconsciente, que a veces se aferra y busca conservar recuerdos, pero que algunos, como Cobb, deberán hacer todo lo posible para exterminarlos y ser libres. Aunque en realidad, Cobb deberá volver a su origen, realmente encontrarse en lo real y comprender dónde se inicia ese Origen.




lunes, 12 de julio de 2010

El lenguaje de los ojos

A pesar de los silencios, de guardar mudez, por inercia y condición, el ser humano siempre habla; sin darse cuenta sus movimientos, su postura, y sobre todo los ojos, lo dicen todo. Son esas ventanas que no controlamos, que nos gobiernan a la hora de develar secretos, convirtiéndose en una radiografía viva de lo que somos y sentimos. Cómo diría Benjamín Esposito, uno de los protagonistas de la película El secreto de sus ojos, “a veces mejor que se callen”. Este film argentino, dirigido por Juan José Campanella, el mismo realizador de El padre de la novia, obtuvo el Óscar este año como mejor película extranjera. Benjamín Espósito se jubila y decide escribir una novela sobre hechos ocurridos en 1974, cuando ocurre el asesinato y la violación de una joven mientras él trabajaba en un despacho judicial en la Ciudad de Buenos Aires. El caso estaba inconcluso, impune y había dejado suspendidos en el tiempo, no sólo al viudo de esta mujer, sino también a varios de sus personajes, quienes luchaban por la justicia de la causa y la de sus propias vidas, verdades irrefutables de las que era imposible escapar. 

Lo más interesante de El secreto de sus ojos es la manera en que se narra, en un viaje de dos tiempos; los sucesos del ahora contrarrestados con los de 1974, los sentimientos y la frustración durante los 25 años que acontecen y cómo es que el lenguaje de los ojos es lo que los lleva con el paradero del asesino, además de ser la única verdad sobre los sentimientos entre Espósito e Irene, su ex jefe en la oficina de abogados. 

Al final son esos recuerdos aplazados, plagados de nubosidad, los que dirigirán el curso de esta historia, para que sus protagonistas puedan ir borrando las huellas inconclusas del pasado y con firmeza, ir dando los pasos del futuro. Nadie puede esconderse para siempre de sí mismo, porque como diría Pablo Sandoval, colega y amigo cercano de Espósito, a través de una frase clave con la que se descubriría al homicida: “las personas pueden cambiar de todo, menos de pasión”.  


martes, 4 de mayo de 2010

Cuando una Ola se hace imparable y autodestructiva


La ola (Die Welle), película del director alemán Dennis Gansel, invita a reflexionar sobre el comportamiento humano y su psicología, al recorrer escenarios peligrosos que no solo remiten a un pasado imborrable y a sus graves consecuencias, como lo ocurrido en Alemania durante la dictadura de Hitler. La historia se basa en el experimento social La Tercera Ola, realizado por el profesor Ron Jones en 1967 en la escuela Cubberley de Palo Alto, California, dos décadas después del fascismo. Así, la película se convierte en un claro manifiesto de que el ser humano no aprende de sus errores y tiende a repetirlos, aunque en distintas formas y escalas.

El profesor Rainer Wenger ansiaba dictar la materia de Anarquía pero esta fue asignada a uno de sus colegas y, en su lugar, le toca encargarse del curso de Autocracia. Desde el comienzo, el maestro buscó que los alumnos sintieran un verdadero apasionamiento por la clase, sin jamás imaginarse que este proyecto terminaría por salirse de todo control.

En tan solo una semana, La ola, movimiento creado por los estudiantes junto a Wenger durante las clases, crece vertiginosamente hasta convertirse en un verdadero grupo de corte fascista. Sus miembros comienzan a discriminar a quienes no pertenecen al colectivo, adoptan un saludo que evoca al del Führer y establecen un uniforme obligatorio para todos sus miembros. Asimismo, excluyen a quienes desobedecen o se niegan a usarlo. Con el paso de los días, el grupo deriva en actos de vandalismo: grafitea la ciudad en su afán de expandirse y difundir su símbolo. Al mismo tiempo, recurre a la violencia para atacar a los anarquistas.

Lo más perturbador de la historia es cómo el entusiasmo por ‘La ola’ comienza a transformar a los jóvenes en fanáticos extremos que, tras ser manipulados, llegan a ser capaces de hacer cualquier cosa que su admirado líder, el profesor Wenger, les ordene, incluso matar.

Uno de los jóvenes es quien resulta más afectado por ‘La ola’; incapaz de aceptar que todo haya sido solo un experimento de clase, lleva la situación hasta sus últimas consecuencias, empuñando un arma en un estado de total descontrol. En el fondo, lo que buscaba era un sentido de pertenencia que le permitiera escapar de la profunda soledad en la que vivía.

Impactante historia, tanto por su desenlace como por las actuaciones, y sobretodo por estar basada en hechos reales. Nos recuerda que algo así podría repetirse en cualquier lugar y en cualquier momento, pues basta con la aparición de un líder capaz de manipular a los demás y “lavarles el cerebro”, especialmente en sociedades donde se dan condiciones propicias para el surgimiento de nuevos totalitarismos: desigualdades sociales e insatisfacción generalizada. En el caso de La ola, también se evidencia una necesidad profunda de pertenencia entre los jóvenes: el deseo de sentirse parte de algo, incluso por encima de sus propias diferencias. Sin embargo, de forma contradictoria, buscan convertirse en un grupo homogéneo, diferenciándose al mismo tiempo del resto.

En definitiva, los acontecimientos demuestran que el hombre parece no aprender: los sistemas se repiten una y otra vez. La Tesis y la Antítesis de Hegel parecen reflejar fielmente el devenir de los hechos. Lo verdaderamente preocupante sería que, en un futuro no tan lejano, surgiera una especie de Síntesis: una fusión entre un capitalismo decadente y un Estado socialista totalitario a escala mundial, caracterizado por vigilancia extrema, control absoluto sobre los ciudadanos y aparentes igualdades socioeconómicas, pero que en realidad implicaría una pérdida total de libertad. Solo espero que esto sea, por fortuna, una hipótesis descabellada; que una Ola de este calibre permanezca únicamente en la ficción, en una pesadilla de la que siempre se pueda despertar.


Y una muestra de cómo le han lavado el cerebro a jóvenes en EE.UU.; impactante declaración

sábado, 17 de abril de 2010

La demencia Lynch

Odiado y criticado por muchos, amado por otros. Sobre las películas independientes de este director de cine estadounidense siempre se genera cierta polémica, ya que Lynch crea realidades basadas prácticamente en lo onírico, bastante complejas de descifrar y que hasta guardan similitudes con el teatro del absurdo. Esa característica de tratar sus argumentos tan surrealmente hace que de alguna manera el espectador se convierta en una especie de co-creador suyo, al tratar de acomodar y proponerle algún tipo de significado y sentido personal a guiones en los que reina la incoherencia como lógica, ya que por sí solos necesitarían algún tipo de traducción. Por eso, pienso que sería una buena petición, para todos aquellos, que al igual que con el arte contemporáneo, se quedan con su versión del asunto pero sin optar con la del autor, a no ser que posterior o previamente se haga una investigación exhaustiva sobre cada caso.

Para tener un rato de demencia pura, o como dirían otros, ‘genialidad’, la salida más fácil sería buscando alguna cinta de Lynch. Luego se acomoda el escenario donde nuestras mentes rayaran algunas horas con su extraño mundo. Recomendaciones: se puede optar por ingerir grandes cantidades de café, para mantenerse en una vigilia de la coherencia propia, propicia para la incomprensión del film per se, o ver la película con bastante cansancio o con un poco de alcohol, para así entonarse con el lenguaje ‘lynchiano’, claro que de este modo la historia podría parecerse más a una pesadilla. Prefiero la vigilia antes que soñar como Lynch.

Dentro de su recorrido fílmico se destacan: Eraserhead, El hombre elefante, Dune, Terciopelo azul, Corazón Salvaje, La carretera perdida, Mulholland Drive, Inland Empire, entre otras.

miércoles, 7 de octubre de 2009

Un planeta donde la libertad es la única ley

  • Qué pasaría si los extraterrestres vinieran en la actualidad a nuestro planeta y vieran nuestra manera de vivir, de relacionarnos con los demás, de pensar… imaginaríamos que muy seguramente mirarían los avances que ha alcanzado el hombre con el desarrollo de la ciencia y la tecnología, pero ¿será esto suficiente para sentirnos superiores?

    Planeta Libre es un lugar en el que su sociedad está tan avanzada que han prescindido del dinero y todos los objetos materiales, viven alrededor de 250 años, se comunican telepáticamente y están en pleno contacto con la naturaleza. Aquello que necesitan lo lalcanzan utilizando sus ondas cerebrales. Viven en un pleno nivel de consciencia y espiritualidad, lo que les conduce a vivir en un mundo equitativo y armonioso.

    En una reunión anual del planeta, donde intercambian sus producciones y deciden comunitariamente sus viajes, surge la pregunta: "¿Alguien quiere ir a la Tierra?" pero nadie se muestra interesado en dirigirse hacia este peligroso y primitivo planeta, hasta que Mila, la hija del último hombre que lo visitó, se presta como voluntaria.


    Mila llegará a Francia, donde quedará impresionada por los atrasos humanos y será a través de ella que descubriremos con humor nuestra sociedad. Mila tendrá que desconectar a algunos humanos cuando lo ve necesario, cuando su nivel de entendimiento no es suficiente en determinadas circunstancias, llevándolos a conectarse de una manera más profunda y menos rígida con las realidades, en otro nivel de conocimiento.

    Posteriormente dos hijos de Mila emprenden también un viaje hacia la Tierra. Lo curioso es que caen alejados de las ‘sociedades industrializadas’, para quedarse con una tribu indígena cerca al desierto, quienes los reciben a través de la telepatía. Están conectados con la naturaleza, con el planeta y la vida, son considerados avanzados por este par de extraterrestres, siendo de vanguardia las costumbres antiguas, no por el nivel tecnológico sino por el nivel de conciencia.

    Esta película nos invita a reflexionar, a cuestionarnos sobre las cosas que importan, deja una enseñanza espiritual, moral y ética. Muestra una hermosa visión sobre una utopía, pero quien sabe, depronto y vamos para allá…

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    Ficha Tecnica:
    Francia (1995) Dirigida y escrita por Coline Serreau. Con: Vincent Lindon, Coline Serreau, James Thiérrée , Samuel Tasinaje, Marion Cotillard, Claire Keim

  • lunes, 31 de agosto de 2009

    Elementos filosóficos de las tres partes de ‘The Matrix’

    Más allá de los efectos especiales y las largas secuencias de peleas, en la saga hay planteamientos de Hume, Descartes, Kant y Platón, entre otros.

    Por ejemplo, la teoría platónica del ‘Mito de la caverna’, que plantea lo que vemos en apariencia, a diferencia de lo que es en realidad, es retomada por los directores, los famosos hermanos Wachowski, quienes afirman que “los reflejos en general son importantes en el tema de la película, la idea de mundos dentro de mundos…”.

    En el mencionado mito, un grupo de personas miran dentro de una cueva las sombras que forman en una pared unos seres que caminan fuera de ella. Como lo único que han visto los moradores de la caverna es el ‘teatro de las sombras’, creen que así es la realidad. Así mismo, Neo y la humanidad viven en la ‘caverna’ de ‘Matrix’, en la que se muestra una realidad virtual, porque lo verdadero está afuera.

    Sólo unos pocos como Neo, Trinity, Morfeo y los rebeldes de Zion conocen el mundo real mientras que el resto de la población cree en las sombras que ve.

    La pitonisa

    En ‘The Matrix’, el oráculo es un concepto que proviene de la mitología griega. En el oráculo de Delfos, Pitia respondía a las preguntas de manera ambigua o incomprensible por lo que debía ser interpretada por los sacerdotes. De igual modo, la pitonisa de Matrix no contesta claramente a quienes la consultan, cada cual debe dar su interpretación personal, muchas escuchan lo que necesitan oír.

    Además, sobre el umbral del templo de Delfos existía una inscripción que decía ‘Conócete a ti mismo’. Igual sucede en ‘The Matrix’, pues la misma insignia aparece en la puerta de la cocina de la Pitonisa. Esta le explica a Neo que él tiene las respuestas dentro de sí y él sólo buscaba entender el por qué de sus decisiones tomadas.

    El tema planteado por el oráculo explica el determinismo, donde todo forma parte de una relación causa-efecto, que es el postulado del filósofo David Hume.

    El determinismo y la causalidad

    Según la ley causa-efecto de Hume, todo lo que ocurre debe tener una causa. Entonces siempre que algo ocurra de determinada manera desencadenará de otra.

    En el determinismo no hay libertad. En ‘The Matrix’, Neo piensa que al tomar una decisión era libre, cuando en realidad las cosas debían suceder como parte de un destino pre determinado. De esta manera las supuestas corazonadas y los oráculos son programas dirigidos para que la persona haga lo que ha venido a hacer.

    Realidad y sueño

    Según el filósofo René Descartes, no podemos fiarnos de lo que nos muestran nuestros sentidos, tal como no se puede distinguir la vigilia de los sueños.

    Sobre el tema, el ensayo de Colin McGinn ‘La Matrix de sueños’, explica que “la cinta trata sobre lo que significa soñar, porque la mayoría de lo que vemos ocurre en sueños. De manera que cuando vemos Matrix entramos en un estado del sueño que trata otro, por lo que soñamos un sueño”.

    Ya lo había dicho el sabio chino Zhuangzi: “Una vez soñé que era mariposa, y ahora no sé si soy yo el que soñó que era mariposa, o si soy una mariposa que sueña que soy yo”. Así también, ‘The Matrix’ simula lo que ocurre en el sueño, evocando en la audiencia la sensación de cómo se abre el mundo de Matrix en el nuestro, y este a su vez es el submundo de otro. Todo parece perdido entre sueños, en donde descubrir la realidad como tal es el objetivo.

    “Una de las primeras cosas de las que hablamos cuando tuvimos la idea de Matrix fue la de creer que la filosofía, la religión y las matemáticas tratan de responder a una reconciliación entre un mundo natural y otro que es percibido por nuestro intelecto”, declaran los hermanos Wachowski.

    Al pensar que ya se está en la realidad, porque lo irreal se ha desvanecido cuando se abren los ojos, ¿cómo sabremos cuándo estamos abriendo los ojos verdaderamente al mundo real?

    Despertar infinitamente sin reconocer cuál de todos los mundos es el verdadero parecía ser la dirección que tomaría ‘ The Matrix reloaded’, cuando Neo es capaz de detener los centinelas en el mundo ‘real’, lo que indicaría que sus poderes de vencer una segunda Matrix fueron reconocidos. Pero este planteamiento no fue sustentado en la tercera, por lo que entraría a formar parte de la realidad ideológica interpretativa que algunos le han dado.

    Todo parte de la mente

    ‘Matrix como metafísica’ es un ensayo de David Chalmers, en el que desarrolla la idea de meter un cerebro en un balde, simulando con estímulos las mismas sensaciones que recibiría estando dentro de un cuerpo.

    Según el ensayo, el estado interno del cerebro sería igual al de uno normal, a pesar de que carece de cuerpo. El cerebro sería engañado, tendría falsas creencias sobre el mundo, creería que tiene un cuerpo, que podría caminar bajo el sol, cuando en realidad se encuentra dentro de un oscuro laboratorio, creyendo estar en un lugar mientras se halla en otro.

    Así es Matrix, un lugar en el que se descubre poco a poco cómo puede variar un punto de vista cuando logra reflejarse desde la supuesta realidad. Se puede ver y sentir pensando que es cierto, que es la verdad, cuando todo forma parte de una manipulación superior.

    Si todo parte de la mente, la única verdad que se puede conocer es que se existe por el hecho de pensar, a pesar de no saber que está fuera de la matriz que engaña los sentidos. Este planteamiento parte del filósofo Descartes, quien dudaba de todo y esta era su única certeza. Al dudar, estaba seguro de que pensaba y él expresa esta seguridad como ‘pienso, luego existo’.

    La razón necesita de la percepción

    Para el filósofo Emmanuel Kant, tanto la percepción como la razón juegan un papel importante cuando percibimos el mundo. Todo lo que se proviene del mundo externo, pero cómo se ve está relacionado con lo que se percibe. Entonces el hombre depende de la percepción como manera de alcanzar el conocimiento. En ‘The Matrix’, Neo logra cambiar su idea de realidad porque le muestran otro tipo de percepción desde un insípido y oscuro mundo real.

    La nueva percepción de las cosas es la que ayuda a descubrir que es capaz de violar muchos límites dentro de una matriz irreal, donde solo hay mente. Entonces aprende a dominar la matriz desde su percepción de Elegido, capaz de volar y traspasar diferentes barreras para el hombre.

    Kant afirmaba que el tiempo y el espacio pertenecen a la constitución humana, como cualidades de la razón y no del mundo. En ‘The Matrix’ se ve claramente cómo, a pesar de que las mentes alineadas de la mayoría de la humanidad viven en el engaño, tienen la idea de un tiempo y un espacio determinado por programas.

    Entonces, tener la conciencia de un tiempo y un espacio está en la mente. Como lo afirmó Kant, cada personaje de la película percibe el mundo dependiendo de si fue desconectado desde el mundo real.

    El Eterno retorno

    Los filósofos Martín Heidegger y Friedrich Nietzche plantearon la determinación de la conexión entre el eterno retorno de los mismo y la voluntad de poder.

    En ‘The Matrix Reloaded’, Neo descubre gracias al Arquitecto que él no es ni ha sido el único Elegido. Neo es el sexto, porque ha sido precedido por cinco Elegidos de cinco matrices anteriores.

    Entonces, la misión de Neo como Elegido será la de llegar a la fuente y elegir un número determinado de personas antes de que Zion sea destruida, ya que luego será creada una nueva matriz, en la que otra anomalía o perfección (otro Elegido) aparecerá para cumplir con la misión de salvar a Zion.

    Se trata del eterno retorno porque aun cuando Neo logró llegar al mundo de las máquinas y salvar a Zion, la paz y tranquilidad no serán eternas y la guerra podría continuar, por lo que otro Elegido tendrá que aparecer para cumplir como salvador. Ese mensaje queda al final cuando el Arquitecto le dice a la Pitonisa que esa tranquilidad no durará para siempre. Y la Pitonisa le dice a la niña que Neo regresará.

    Simbología cristiana

    Neo viste negro que se parece mucho a la vestimenta de los sacerdotes. Además, él es el Elegido que salva por amor tanto a Zion como a la matriz, entregando su vida de manera alegórica a la manera como en el Cristianismo, Jesucristo lo hace para salvar las almas de los hombres.

    Variedad de planteamientos

    Además de los filósofos explicados con anterioridad, en ‘The Matrix’ hay planteamientos del sociólogo posmodernista Jean Baudrillard, de su libro ‘Simulacra and Simulation’. Baudrillard plantea que no hay fundamento, todo parte de la nada, de los sincronismos.

    Este libro aparece en la primera parte de la cinta cuando al comienzo Neo abre un libro para sacar unos disquetes. Era el libro de Baudrillard, que se abre justo en el capítulo en el que se explican los simulacros.

    Pero Matrix tiene tantos planteamientos que así mismo podrían formularse infinitos ensayos de cada idea que se plantea. Por lo tanto, esta es una misión utópica, porque la mente tiene infinitas posibilidades y cada razonamiento varía dependiendo de la experiencia propia.

    Hay tantos mundos como mentes, entonces cada persona percibe ‘The Matrix’ desde su punto de vista, y acá simplemente continpua buscando un espejo dentro de otro, para seguir persiguiendo interrogantes que muy probablemente no tengan respuesta.

    Significado de los nombres

    • Neo significa nuevo, pero al invertir las letras de su nombre aparece ‘one’, es decir, el Elegido
    • El apellido de Neo en Matrix era Anderson: viene del nombre griego Andreas, que significa hombre. Y como está acompañado de la palabra ‘son’ (hijo en inglés), se traduce como ‘el hijo del hombre’.
    • Trinity viene de Trinidad –la santa trinidad- tres que son uno mismo: Padre, Hijo y Espíritu Santo.
    • Morpheo es el dios griego del sueño
    • Perséfone es, en la mitología griega, la esposa de Hades, el dios de los infiernos. En Matrix es la esposa de Merovingio.